El guatemalteco Pablo José Ramírez es uno de los curadores en el prestigioso Museo Hammer de la UCLA
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LOS ÁNGELES — Al recorrer la nueva exposición del Museo Hammer, los visitantes pueden conectarse con la historia ancestral de los pueblos nativos del continente. Apreciar las más de 110 piezas, elaboradas por 22 diferentes artistas, es transportarse en el tiempo y a contextos de comunidades indígenas, una causa que el curador guatemalteco Pablo José Ramírez abandera desde sus inicios en el campo del arte en su tierra natal.
Desde mayo de 2023, Ramírez es uno de los curadores del Museo Hammer, institución que lo contrató luego de trabajar como curador adjunto desde 2019 en el museo Tate Modern en Londres, ciudad a la que llegó para estudiar y graduarse de una maestría en Teoría del arte contemporáneo en la Universidad Goldsmiths, un campo al que fue empujado indirectamente por sus amistades en Quetzaltenango, ciudad ubicada al oeste de Guatemala.
“Los artistas que están a la vanguardia no solo en Estados Unidos, sino en cualquier parte del mundo, son los que vienen de mundos indígenas”, explica el curador luego de mostrar y explicar el contenido de la exposición denominada Several eternities in a day, inaugurada el 5 de abril y que concluye el 23 de agosto. “La idea de la indigenidad siempre ha sido importante [para mí], pero también es una idea que no solo tiene que ver con Latinoamérica”.
La mitad de los artistas, es decir 11 de todos los participantes en la exhibición, son de mundos indígenas. La mitad restante produce obras relacionadas a contextos mestizos o de diáspora. Esta amalgama de expresiones se puede apreciar en las piezas del artista maya kaqchikel Edgar Calel, en las obras del peruano Santiago Yahuarcani, la chilena Patricia Domínguez Claro, el salvadoreño Guadalupe Maravilla, el venezolano Sheroanawe Hakihiiwe, la mexicana Carmen Argote, la boliviana Naomi Gamarra y la nativa estadounidense Rose B. Simpson, entre otros.
En esta exhibición también hay piezas de artistas históricos como las de la cubana Ana Mendieta, el guatemalteco Carlos Mérida, el oaxaqueño Francisco Toledo y la estadounidense Mary Sully.
“Lo que une a todos estos artistas es el uso de materiales vivos que son parte de su cultura y memoria ancestral, no es experimentación artística formal; tiene que ver con que estos artistas viven en la comunidad y practican la cosmovisión. No están instrumentalizando los materiales, tiene que ver con sus historias indígenas o mestizas”, detalla Ramírez sobre las obras de artistas con los que ha construido una relación —de amistad y profesional— desde hace 10 años cuando trabajaba como curador independiente en Londres.
Ramírez, de 43 años, es curador, escritor y teórico cultural. Antes de estudiar arte se graduó de la licenciatura en Ciencias Políticas en la Universidad Rafael Landívar en Quetzaltenango, su ciudad de origen. Siendo un niño de cuatro años, a mediados de la década de 1980, cuando Guatemala se debatía en medio de un sangriento conflicto civil, sus padres se fueron al exilio. Su madre se refugió en Honduras y su padre en México, ambos eran profesores en la estatal Universidad de San Carlos (USAC).
Durante cuatro años, Ramírez se quedó al cuidado de su abuela materna en Santa Cruz del Quiché, la capital del departamento del Quiché, al noroeste de Guatemala. Aunque era mestiza, su abuela hablaba maya kʼicheʼ, una cultura que lo marcó profundamente ya que es la comunidad dominante de esa región. “Crecí rodeado de la cultura indígena”, indicó. Por el compromiso con la justicia social de sus padres, ingresó a la universidad a estudiar Ciencias Políticas; sin embargo, sus compañeros de clases eran escritores y artistas. Fue precisamente el activismo de la artista visual y poeta, Regina José Galindo, lo que influyó y convenció de que era más poderoso el arte que la política tradicional.
A sus 21 años comenzó a realizar exposiciones, en las que la inversión ascendía a lo sumo a 100 dólares. Cuando llegó a la dirección de la organización no lucrativa, Ciudad de la Imaginación, hizo exhibiciones de arte con cierta formalidad con artistas centroamericanos. Entre ellos conoció a Calel, el artista maya kaqchikel con quien, casi dos décadas después, volvió a coincidir con exponentes del arte reconocidos a nivel internacional invitados por el Museo Hammer, institución que pertenece a la prestigiosa Universidad de California en Los Ángeles (UCLA).
“La importancia del trabajo de Pablo es que tiene la capacidad de enraizar su mirada dentro de las profundidades de las ideas de los artistas latinoamericanos y de los pueblos originarios; desde otra perspectiva se reduce el pensamiento de un artista a una sola tendencia que puede ser dibujo o pintura, pero hay otras dimensiones en donde Pablo nos encamina para ver qué hay detrás de las pinturas, que hay más allá de la imagen”, valoró Calel sobre la labor de Ramírez.
Sohrab Mohebbi, escritor y curador del museo SculptureCenter en Nueva York, trabajó en 2020 con Ramírez en un proyecto que les llevó por Guatemala, El Salvador y Panamá. Desde entonces, dice que tiene profunda admiración por la comprensión que Pablo tiene de las prácticas artísticas y de los discursos más amplios que las moldean. En su opinión, cuando el curador guatemalteco realiza exposiciones “mantiene su compromiso con la obra de arte en sí y permite que sea la propia obra la que guíe el marco discursivo”.
La presencia de Ramírez en el Hammer ha sido invaluable, sostiene Mohebbi. Desde que se incorporó al museo de la UCLA, cree que ha enriquecido y ampliado tanto su programa como su colección al incorporar artistas de contextos indígenas “con un cuidado y una precisión extraordinarios”. Lo que considera especialmente importante es que su colega centroamericano contextualiza su trabajo más allá de los marcos habituales de categorización. “Pone en primer plano el rigor conceptual, la abstracción como metodología para expandir nuestra imaginación y una especificidad material que va más allá de las cuestiones de representación o identidad por sí solas”, subrayó.
En 2025, Ramírez montó una exposición con cinco artistas indígenas nacidos en el poblado de Cherán, en el estado mexicano de Michoacán. A través de 60 lienzos de un enorme mural que se instaló en la entrada del Museo Hammer dieron a conocer los valores y las tradiciones de la cultura purépecha.
En la actual exhibición, las obras de los 22 artistas son expresiones variadas, pero todos han utilizado como lienzo e implementos para crear sus piezas materiales orgánicos que trascienden la contemporaneidad; se han empleado rocas, tierra, aguacates, hierbas aromáticas, tintes naturales, caracoles, cacao, achiote, piedra volcánica, obsidiana, corteza de árbol y arcilla, entre otros materiales naturales con los que se han hecho esculturas, pinturas e instalaciones que exponen la herencia de comunidades indígenas desde el sur hasta el norte del continente.
Para crear su pieza, la mexicana Argote invirtió alrededor de 10 meses. Desde que recibió la invitación de Ramírez, lo primero en lo que pensó fue en utilizar aguacates. Esta artista, oriunda de Guadalajara y residente en el vecindario angelino de Boyle Heights, recordó que su experiencia creando una obra con este producto natural reunía los requisitos que le plantearon de utilizar materiales vivos. El proceso de preparación de los 800 aguacates que utilizó le tomó tres meses. La base de la obra es de papel, en ellos colocó insectos conocidos como cochinilla que mezcló con jugo de limón con los que obtuvo tintes naturales. Luego distribuyó la pulpa de los aguacates y con sus dedos elaboró las figuras que se encuentran colgadas en una pared del museo.
“Pablo no me dijo qué hacer, lo dejó abierto para diferentes posibilidades e interpretaciones de lo que es algo vivo, eso sí lo aprecio porque muestra confianza en el proceso de los artistas que están trabajando”, indicó Argote, quien en 2007 se graduó con una maestría en arte con enfoque en cerámica en la UCLA y desde 2010 ha creado diferentes obras artísticas utilizando telas, mantas, lino, aguacates y tintes naturales, entre otros materiales.
A su juicio, las piezas que se exhiben en el Museo Hammer tienen un mensaje sobre la temporalidad, como resultado de conversaciones con su mundo interior. Al pasar el tiempo, el aceite de los aguacates se va derramando, se abren grietas y da la impresión que la obra está llorando. Al final, las personas que vean la pieza pueden apreciar la energía, los colores, los olores y las texturas de materiales vivos. La artista sostiene que lo más importante de esta pieza fue aprender a dejar que tomara su propio curso. “Las cosas que yo no puedo controlar no le quitan a la pieza, sino que dejan que la obra hable y se comunique más en cualquier estado”, apuntó la artista mexicana.
Calel, artista maya oriundo de Chimaltenango, Guatemala, ha expuesto sus obras en Liverpool, Londres, Nueva York, Seúl y Pittsburgh, entre otras ciudades. Nacido en el municipio de Comalapa, su padre es artista y su madre tejedora. En su niñez inventaba juguetes con trozos de madera. En su comunidad maya kaqchikel, idioma que él mismo habla, aprendió la composición de colores que aplicaba a retazos de tela y papel. Luego desarrolló habilidades para crear esculturas, dibujos, pinturas, fotografías y videos, técnicas que pulió al estudiar en la Escuela Nacional de Artes Plásticas Rafael Rodríguez Padilla, en la Ciudad de Guatemala.
El proceso para crear la instalación de arte que se encuentra en el Hammer le tomó más de un año. Cuenta que utilizó tierra, piedras, bordados, hierbas medicinales y tintes naturales. En la apertura de la exhibición, Calel realizó un ritual maya como una manera de pedir permiso y para que todas las cosas fluyan. El artista explica que en su instalación se muestran las ofrendas que realizan en los cerros y valles de su comunidad, las que sirven para agradecer por la vida y como una manera de preservar la memoria y la energía de sus antepasados que habitan en los diferentes espacios.
“Nosotros heredamos este conocimiento; en los trabajos que hacemos están presentes las personas que nos antecedieron, porque sin ellos no se puede inventar nada”, valora Calel sobre su cultura y arte maya. “En mi casa pintamos paisajes, pero no es lo mismo recrear el paisaje de donde venís y sentir la presencia de la piedra, la tierra, eso es lo que a mi me interesa, sentir qué tan conectados estamos con la tierra y con los elementos que para muchos puede ser materia prima, pero para otros puede ser un elemento más sagrado”, describió el artista de 37 años.
En esta exhibición, según Ramírez, se puede desmontar la idea de que el arte indígena es asunto del pasado. En su opinión, el arte de los pueblos originarios está vigente y vivo. Las obras que se exponen sirven para mostrar que la creación indígena es contemporánea y sofisticada. Lo que hizo en su natal Quetzaltenango estaba conectado con las comunidades mayas y lo que ahora desarrolla en el Museo Hammer tiene el objetivo de darle visibilidad a los esfuerzos de artistas que no tienen los reflectores del mundo, pero que están transformando su entorno con sus creaciones y obras de arte en las que reflejan la sabiduría, la historia, la cosmovisión, las tradiciones y las expresiones ancestrales de los pueblos originarios.
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