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Este año es especial para el GuadaLAjara Film Festival (GLAFF), un evento íntimamente ligado al Festival Internacional de Cine de Guadalajara que se lleva a cabo en el Sur de California y que se prepara para cumplir quince años de existencia en lo que respecta a nuestras costas.
En esta ocasión, y en palabras de sus organizadores, GLAFF presentará “un programa dinámico que destaca la narración innovadora y a cineastas visionarios de todo Estados Unidos y Latinoamérica”, mediante una Selección Oficial compuesta por obras de directores procedentes de nuestras naciones de origen, hispanos residentes en este país, afroamericanos, asiático-americanos, indígenas, ‘queers’, filipinos y árabes.
La apertura tendrá como plato de fondo la nueva adaptación de “Frankenstein” que ha sido dirigida y escrita por el ilustre realizador mexicano Guillermo del Toro, y que a pesar de no ser una obra estrictamente latina, cuenta con la participación del guatemalteco Oscar Isaac en un papel importante (el del “científico loco” que crea al monstruo, interpretado por Jacob Elordi). La función se dará en el United Theater del Centro de Los Ángeles.
Por su parte, la noche de cierre -el 8 de noviembre- estará protagonizada por “Move Ya Body: The Birth Of House”, un documental de esencia afroamericana, dirigido por Elegance Bratton (“The Inspection”), que revisa los orígenes de la música house dentro de los clubes de baile de Chicago. La actividad se llevará a cabo en el Linwood Dunn Theater.
Como hemos publicado ya una extensa crítica de “Frankenstein”, dejaremos de lado a esa producción con la finalidad de presentarles un listado de otros títulos llamativos con filiación hispana que se podrán ver a lo largo del evento, basándonos en las impresiones que estos nos dejaron al haber pasado por nuestros ojos de manera adelantada y optando por presentar las respectivas reseñas en orden de proyección para evitar los favoritismos.
DEPECHE MODE: M
7 de noviembre, 7:30 p.m.
Milagro Cinemas - Sala 6
No cabe duda: Depeche Mode tiene una fanaticada particularmente numerosa en México. El hecho de que visitara la capital azteca para ofrecer tres presentaciones a lo largo del mes de septiembre del 2023 y en un mismo auditorio de capacidad inmensa da cuenta de esta intensa popularidad, especialmente cuando se considera que estamos hablando de un país de habla hispana.
La oportunidad lucía entonces propicia para la realización de una película documental que ofreciera una suerte de compendio de los memorables conciertos realizados en el Foro Sol, destinado a retratar el estupendo estado actual de una banda que tiene 45 años de existencia y que, desde un punto de vista meramente comercial, superó hace ya tiempo su pico de mayor popularidad.
Aunque el grupo es inglés, la cinta que tenemos ahora entre manos -y que se proyecta también en estos días en salas comerciales- es mexicana; y el hecho permite no solo revelar la capacidad de los aztecas para emprender un registro de esta clase, sino que le dio también al director Fernando Frías de la Parra “(Ya no estoy aquí”) la posibilidad de analizar la relación entre ciertas sensibilidades propias su país y las temáticas manejadas por la banda en “Memento Mori”, su álbum más reciente, que lidia en gran medida con el concepto de la mortalidad.
El análisis, plasmado principalmente a través de la voz narradora de Andrés Giménez Cacho y presentado a manera de interludios, no es exhaustivo, ni pretende serlo; pero cada vez que el espectador empieza a plantearse dudas al respecto, Frías lo impacta con una nueva andanada de canciones que, además de sus cualidades musicales, llegan hasta nuestras retinas a través de una estupenda cobertura visual y un minucioso trabajo de edición que aprovechan extensamente la brillante ‘performance’ del conjunto.
Las cámaras se enfocan principalmente en el vocalista Dave Gahan, aprovechando sus ademanes, sus bailes y su inagotable energía, pero no dejan de lado al guitarrista, tecladista y corista Martin Gore; como se sabe, tras la inesperada muerte del tecladista Andy Fletcher (a quien se le rindió tributo en los conciertos y en este documental), Depeche Mode funciona ahora bajo la modalidad de dúo, con dos músicos adicionales como invitados. Y Frías (quien participará en una sesión de preguntas y respuestas tras la proyección del GLAFF) filmó todo con un ojo artístico en el que las disolvencias, las transiciones y las tomas aéreas se unen para reflejar el carácter casi místico que tuvo el espectáculo.
VAINILLA / VANILLA (México)
7 de noviembre, 8 p.m.
Vidiots
Las historias contadas desde el punto de vista de infantes inmersos en situaciones cotidianas complicadas son siempre interesantes de ver, no solo por la dificultad que tienen en términos de realización, sino también por lo atípicas que resultan.
Es por ello satisfactorio que, poco después de que el AFI FEST de este año nos diera la oportunidad de conocer a una pequeña chilena criada por una comunidad ‘queer’ de inicios de los ‘80 en la estupenda “La misteriosa mirada del flamenco”, GLAFF haga algo semejante con la protagonista de “Vainilla”, una niña que crece en un hogar mexicano completamente femenino a fines de la misma década.
En este caso, el grupo es un inusual conjunto de mujeres de una misma familia que viven bajo un techo común por razones tanto afectivas como de necesidad, aunque eso podría estar a punto de cambiar debido a que no han pagado en mucho tiempo el alquiler de la casa en la que radican y se exponen a una inminente orden de desalojo.
Casi todas comparten lazos de sangre; la excepción es la empleada doméstica Tachita (Lola Ochoa), quien tiene que lidiar estoicamente con los vaivenes emocionales de la familia para la que trabaja. Pero el estrellato le corresponde a Roberta (Aurora Dávila), quien tiene por fortuna a su lado a su empeñosa y simpática madre Alicia (María Castellá), mientras alimenta en secreto su sueño de participar en un programa televisivo de concursos infantiles con una atrevida imitación de Gloria Trevi (es decir, una circunstancia que podría adquirir un carácter polémico en la actualidad debido a las acusaciones que pendieron luego sobre la artista, pero que resulta absolutamente natural y honesta para la época retratada).
Pese a que la mirada central le corresponde a Roberta, “Vainilla” es en realidad un trabajo de tendencia coral en el que el cada personaje tiene una personalidad definida y que, incluso cuando defiende a rajatabla la necesidad de la solidaridad femenina, no desprecia ni menosprecia a sus personajes masculinos, que terminan siendo más positivos que negativos.
Y aunque mucho de lo que se cuenta es ciertamente dramático, la directora y guionista Mayra Hermosillo (que había trabajado hasta ahora como actriz y que tomó como referencia experiencias personales) se esmera en no perder nunca una ligereza que, a estas alturas, se siente como un soplo de aire fresco en medio del tremendismo narrativo que predomina en el cine latinoamericano.
ESTA ISLA / THIS ISLAND (Puerto Rico)
8 de noviembre, 1 p.m.
Alamo Drafthouse DTLA
“Guarda eso, que esto no es una película”, le dice en cierto momento Bebo (Zion Ortíz) -el joven de clase baja obligado a esconderse tras verse involucrado en un tiroteo- a Lola (Fabiola Brown) -la muchacha de clase alta que se ha escapado con él y que ha levantado la pistola recién encontrada en su automóvil para apuntársela a la cara de manera juguetona-.
Curiosamente, “Esta isla”, la película en la que aparece esta escena, es una obra que se encuentra frecuentemente marcada por una impronta profundamente realista, sí, pero también una en la que hay algo del cine estadounidense clásico, en el sentido de que maneja un arco típicamente hollywoodense, está lejos de contar una historia inexpugnable y no se encuentra sometida a simbolismos complicados.
Pero los directores Cristian Carretero y Lorraine Jones, que también son los guionistas del trabajo, se las ingenian para darle al paquete entero un sabor profundamente boricua desde las primeras imágenes que nos muestran, vinculadas al arduo proceso de la pesca artesanal. E incluso cuando los dos tortolitos se dan a la fuga, los inserta en un medio rural absolutamente distintivo y los expone tanto a las durezas del trabajo en el campo como a encendidas discusiones sobre la identidad nacional en las que no faltan los aportes sociales y políticos.
Quienes no logran salirse del todo del esquema convencional son los villanos del relato, aunque cuentan al menos con una lograda escena de vulnerabilidad que los encuentra rapeando en un espacio público e insinuando de paso las razones de su accionar; sin embargo, el balance termina siendo sumamente positivo en lo que se refiere a una cinta que merecería ser vista a nivel masivo. Los directores participarán en una sesión de preguntas y respuestas al término de la proyección.
OLMO (México)
8 de noviembre, 3:30 p.m.
Milagro Cinemas - Sala 6
Doce años después de haber estrenado su último largometraje como director, Fernando Eimbcke (“Temporada de patos”) regresa a las salas con un trabajo que lo saca de su zona de confort (todos sus largometrajes anteriores se desarrollaban en su país de origen y estaban hablados en español) para trasladarnos al hogar de una familia mexicoamericana que se enfrenta a una situación complicada.
En “Olmo”, el protagonista, que lleva el mismo nombre y que es interpretado por Aivan Uttapa, es un adolescente que vive en un barrio latino de Nuevo México a fines de los ‘70 y que solo se expresa en inglés, a diferencia de su madre Cecilia (Andrea Suárez Paz), quien trabaja constantemente, y de su padre Néstor (Gustavo Sánchez Parra), quien sufre de esclerosis múltiple y requiere de cuidados constantes.
En consonancia con el tono realista y sincero que siempre ha manejado, Eimbcke muestra claramente el desagrado de Olmo al tener que encargarse de Néstor, un hombre que, por otro lado, es muy exigente y abiertamente desconsiderado con su hija Ana (Rosa Armendáriz), quien fuma demasiado. Pero lo único que le interesa al muchachito es ir a la fiesta a la que va a asistir su inalcanzable vecina Nina (Melanie Frometa).
Pese a que la relación que el protagonista establece con ella termina mostrando un desarrollo poco creíble, la cinta tiene casi siempre los pies sobre la tierra, respaldada por un estilo visual y narrativo de tinte naturalista que no nos distrae de las acciones, pero que recrea estupendamente la época descrita mientras evita en lo posible el sentimentalismo y le da paso a la comedia.
Libre de grandes sorpresas, pero entretenida, propositiva y convincente, “Olmo” se redondea con una encantadora banda sonora en la que se infiltran temas de los Dug Dug’s y de Rigo Tovar.
DOCE LUNAS /TWELVE MOONS (México)
8 de noviembre, 5 p.m.
Milagro Cinemas - Sala 7
A estas alturas de su carrera, Ana de la Reguera se encuentra definitivamente interesada en proyectos arriesgados que la involucren física y emocionalmente y que no respondan necesariamente a los dictámenes del ‘mainstream’.
Hace poco, debutó como directora y guionista con su propia serie televisiva, “Ana”, enmarcada en los terrenos de la comedia, pero de todos modos provocativa; y ahora, regresa a la pantalla grande como protagonista de “Doce lunas”, un drama de personajes que, para empezar, revela sus pretensiones independientes al ser en blanco y negro.
De la Reguera no es el único punto de interés en una cinta que se presenta como la ópera prima de Victoria Franco, hermana de Michel Franco, el cineasta que se ha ganado tantos adeptos como detractores con títulos tan debatidos como “Después de Lucía” y “Nuevo orden”. Por ese lado, el rol fundamental de Victoria en la cinta debería llamar la atención de los admiradores de Michel, aunque sucederá justamente lo contrario con quienes rechacen al aludido.
En el film, De La Reguera interpreta a Sofía, una prestigiosa arquitecta cuya aparente incapacidad para salir embarazada va de la mano con un estilo de vida descontrolado que está afectando su trabajo y su matrimonio con José (Enrique Arreola), quien ha decidido abandonar los vicios.
Valiéndose de una esmerada puesta en escena que adopta la mirada de la protagonista para configurar los espacios en los que se desarrolla y retratar su propia percepción de lo que le va sucediendo, la cinta funciona mejor durante su primera parte que en la segunda, cuando la debacle súbita de Sofía la lleva a verse involucrada en situaciones excesivas y poco creíbles que adoptan además dudosas posiciones de clase.
Pero De La Reguera está siempre al frente, dándolo todo y sometiéndose a los desafíos de un rol que tuvo que ser tremendamente exigente. Verla frente a estos retos es razón suficiente para ver un film que no termina de convencer, pero que tiene numerosos destellos visuales e interpretativos. Tanto la actriz como la directora intervendrán en un conversatorio una vez que se acabe la función.
