Las 15 películas latinoamericanas o en español elegibles para el Oscar (y lo que puedes esperar de ellas)

El viernes pasado, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas anunció la lista de las obras elegibles para ser consideradas en las categorías de Mejor Película de Animación, Mejor Documental y Mejor Película Internacional para la edición número 98 de los Premios Óscar, que se llevará a cabo el 15 de marzo del 2026.

Al recibir el comunicado, no pudimos evitar que nuestra mirada se dirigiera de inmediato hacia las producciones relacionadas al universo fílmico que más nos atañe, es decir, el de las obras habladas en español o vinculadas a Latinoamérica.

Esto nos llevó pronto a decidir que sería adecuado involucrarnos más con esas creaciones para determinar qué tan familiarizados estamos con ellas y qué podemos ofrecer a nuestros lectores tanto en términos de apreciaciones críticas como de disponibilidad de las mismas.

El siguiente listado analítico mantiene el orden alfabético de los nombres de los países participantes. Los preseleccionados finales serán anunciados el martes 16 de diciembre, y los nominados en sí el jueves 22 de enero del 2026. Pero puedes ir adelantando la fiesta con la información que te ofrecemos a continuación.

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De las cintas aquí mencionadas, la apuesta gaucha es, curiosamente, la que ha contado hasta el momento con mayor difusión, no solo porque tuvo ya un paso limitado por las salas locales, sino porque, desde el 14 de noviembre, se encuentra disponible en la popular plataforma de Prime Video.

La pudimos ver antes de estos lanzamientos oficiales, lo que nos permitió entrevistar a su protagonista, directora y coguionista Dolores Fonzi con la finalidad de desarrollar la nota que puedes encontrar aquí, así como dar fe de las virtudes de un trabajo que ha sido también elegido por Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina para representar a dicho país en los Globos de Oro.

“Belén” se inspira en una sonado caso real para enaltecer la labor de Soledad Deza, la abogada que tomó a su cargo la defensa de una joven tucumana que fue acusada de homicidio agravado luego de sufrir un aborto espontáneo.

En concordancia con los temas que maneja, es una película militante y feminista en la que aparecen muchas mujeres en la pantalla y en los créditos de producción (incluyendo, por supuesto, a la actriz tucumana que interpreta a la muchacha acusada, Camila Plaate, quien tiene un desempeño notable).

Se trata, también, de una obra de tendencia colectiva, ya que si bien parte de un caso individual, llega a un punto en el que mujeres de diferentes procedencias salen a las calles a marchar en defensa de sus derechos (algo que, por supuesto, sucedió en la vida real). Es definitivamente significativo que un título así esté teniendo una difusión tan importante en medio de la coyuntura que vivimos.

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No parece haber todavía un distribuidor local para la cinta de Carina Oroza y Ramiro Fierro, que se inspira en hechos reales para trasladarnos al Valle de la Concepción, Tarija, con la finalidad de presentarnos a dos hermanas que se enfrentan a situaciones complicadas durante la época de la dictadura militar en Bolivia, que se extendió por cerca de dos décadas.

La trama indica que, tras 25 años de exilio, Ana regresa a su país de origen con la finalidad de vender la vivienda familiar; sin embargo, durante el proceso, se verá involuntariamente enfrentada a traumas del pasado, así como a recuerdos vinculados a la resistencia femenina contra la represión.

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No va a ser difícil encontrar esta película en territorio estadounidense durante las próximas semanas, porque su estreno en cines nacionales está planeado para el 26 de noviembre en Nueva York y para el 5 de diciembre en Los Ángeles.

Estamos hablando de un trabajo que, al igual que “Aún estoy aquí” (“I’m Still Here”), la más reciente ganadora del Premio de la Academia a la Mejor Película Internacional, se encuentra temáticamente vinculado a los abusos cometidos durante la dictadura militar que afectó a Brasil entre 1964 y 1985, aunque asume una ruta indirecta en la que los actos directos de violencia son mucho menos visibles de lo que se podría esperar y en las que el protagonista es un hombre tan libre de culpa como de armamento.

Se trata, en cambio, de un profesor universitario, magistralmente interpretado por Wagner Moura (“Narcos”, “Civil War”), que se ve perseguido por fuerzas siniestras debido a su labor como investigador, lo que lo lleva a refugiarse en la ciudad de Recife, donde intenta reencontrarse con su hijo menor y ponerse bajo la protección de personas solidarias mientras se enfrenta a peligros insospechados.

Apelando a sus recuerdos de infancia y rindiendo tributo a las películas con las que creció, el director y guionista Kleber Mendonça Filho (“Aquarius”, “Bacurau”) desarrolla una trama de indudable carácter social pero con una clara vocación de entretenimiento, como lo demuestra el hecho de que sus dos horas y media de duración parecen ser muchas menos.

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Todo parece indicar que esta cinta empezará a verse en las salas estadounidenses a partir del 12 de diciembre, comenzando por el Roxy Cinema de Nueva York, aunque no hemos logrado encontrar fechas disponibles en L.A.

En todo caso, la pudimos ver el pasado mes de octubre debido a su participación en la edición 2025 del AFI Fest, y eso nos permitió escribir esta reseña, en la que reconocimos los atributos de un trabajo descarnado e impactante que se desarrolla en medio de una comunidad ‘queer’ del desierto chileno y que tiene al frente a un impresionante personaje infantil.

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La aclamada cinta de Simón Mesa Soto (“Amparo”) está programada ya para salir en cines nacionales a partir del 30 de enero del 2026, cuando empezará a exhibirse en Los Ángeles y Nueva York, lo que quiere decir que podrá ser apreciada incluso si no pasa la valla de las nominaciones.

Tuvimos oportunidad de verla antes de su paso por la edición más reciente del AFI Fest, antecedido por su victoria en el Festival de Cannes, donde obtuvo el Premio del Jurado “Un Certain Regard”.

Eso nos permitió crear la reseña que se puede encontrar todavía por aquí, y que resalta las características particular de un arriesgado título que resulta tan incómodo como divertido, y que nos presenta a un hombre determinado a mantener su supuesta pureza como escritor encumbrado pese a que la vida le ha demostrado ampliamente que debería dedicarse a otra cosa (o conseguir al menos un trabajo). No es cosa de todos los días ver una actuación como la de Ubeimar Ríos, el protagonista -que, de hecho, no es actor-.

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Esta película es la gran esperanza costarricense, porque, además de buscar una nominación en el apartado de Mejor Película Internacional, intentará meterse en la lista de Mejor Documental, lo que constituye desde ya un hito en la cinematografía de la nación centroamericana.

El trabajo de Juan Manuel Fernández narra la historia real de Anthony Venegas Abarca, quien, en el 2018, denunció públicamente al exsacerdote Mauricio Víquez Lizano de abuso sexual infantil, dando con ello pie a un caso que culminaría en una sentencia histórica de 20 años de prisión y transformaría la legislación costarricense en lo que se refiere a la prescripción de delitos.

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No hay tampoco indicios de que se vaya a producir una exhibición local de la apuesta ecuatoriana, lo que es una pena porque, desde el género mismo que maneja, se presenta como una propuesta inusual para el cine sudamericano.

Y es que estamos hablando de una película de terror -dirigida y escrita por Diego Ortuño- que se basa en una leyenda tradicional andina -sobre un niño elfo que agrede sexualmente a mujeres- para darle vida a un relato con fuertes pinceladas sociales en lo que respecta a su apreciación de las condiciones de vida de la población indígena.

Curiosamente, el protagonista (un sacerdote encargado de investigar el asesinato de mujeres en la región que sirve) es interpretado por Bruno Odar, un popular actor peruano.

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Pese a que se vio ya en algunas salas de Estados Unidos, lo hizo únicamente por una semana, con la finalidad de poder insertarse en la competencia de la Academia. Pero no se desesperen, porque la apuesta de la Madre Patria -que es sin duda uno de los trabajos más impresionantes y controvertidos del año- regresará a nuestras salas por todo lo alto a partir de una fecha todavía indeterminada de enero.

Sea como sea, vale la pena destacar la relevancia de un film que, además de contar con una puesta en escena deslumbrante en la que el manejo virtuoso de la fotografía se combina con la potencia de una banda sonora memorable, plantea de manera ciertamente arriesgada temáticas que tienen que ver con la búsqueda existencial, la experimentación psicotrópica, la vida al margen del sistema, la asimilación del duelo y hasta la probable llegada del fin del mundo.

Más allá de resultar llamativa para los amantes de los ‘raves’ clandestinos que se realizan en zonas desérticas, y que aparecen en todo su esplendor a lo largo de la producción, mayormente realizada en Marruecos, “Sirāt” impacta profundamente debido a lo que sucede entre sus personajes, encabezados por un padre (brillantemente interpretado por Sergi López) y un adolescente (su hijo, encomendado a Bruno Núñez Arjona) que tratan de dar con el paradero de un ser querido perdido, pero sumados por un grupo de ‘librepensadores’ acostumbrados a la vida errante y a los riesgos.

En más de una ocasión, el director y coguionista Oliver Laxe (“Fire Will Come”) toma decisiones susceptibles de caer abiertamente en la manipulación, pero lo que tiene entre manos es tan poderoso que no puede dejar a nadie indiferente.

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Este es un título que tiene ya un contrato de exhibición confirmado en esta parte del mundo, porque se estrenará el 28 de noviembre en el Cinema Village de Nueva York, aunque no logramos encontrar fechas adicionales en Los Ángeles a la que se produjo el pasado 12 de noviembre en el Instituto Cervantes (y que se plasmó en una sola proyección).

Sea como sea, se trata de uno de los títulos más llamativos de este listado debido a la procedencia de nuestros lectores y a la temática de la que se encarga, porque tiene que ver con la masacre de 1968 en Tlatelolco, es decir, uno de los hechos de sangre cometidos por las autoridades que más impacto ha generado en la historia contemporánea de México.

Pero “No nos moverán” no recrea la matanza en sí (para eso estaba “Rojo amanecer”, de 1989), sino que asume una perspectiva original al ubicarse en nuestros días y darle el protagonismo a la hermana de una de las víctimas -ya bastante mayor-, quien ha dedicado su vida a la búsqueda del soldado que asesinó supuestamente a su ser querido y que parece haber dado finalmente con el paradero del aludido.

Pese a manejar una temática oscura, a estar filmado en blanco y negro y a mostrar inicialmente a su personaje principal como una mujer cargada de amargura, el debut en el largometraje de Pierre Saint Martin (que cuenta con una excelente fotografía) está lejos de ser monocromático en el plano dramático, porque, en medio de la reflexión que provoca, se encuentra coronado por numerosos momentos de ligereza y de humor, relacionados justamente a la fuerte personalidad de su protagonista, quien se encuentra estupendamente interpretada por la gran Luisa Huertas.

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No parece haber fechas locales de exhibición para este título, representante de una cinematografía a la que no se tiene un acceso precisamente masivo por estos lares, pero que, si nos atenemos a los resultados aquí observados, tiene mucho que ofrecer.

En “Querido trópico”, que pudimos ver a fines de mayo con motivo de su presentación en la edición 2025 del LALIFF, Ana María (Jenny Navarrete) es una inmigrante colombiana en Ciudad de Panamá que se pone al servicio de una familia acaudalada de origen chileno para atender a Mercedes (Paulina García), la integrante mayor del mismo clan, quien se encuentra afectada por la demencia senil y que, inicialmente, se aprovecha de sus beneficios de clase.

Poco a poco, las cosas entre ellas van cambiando, pero sin caer nunca en tonos sensibleros y sin perder de vista el sentido de realismo de un film que no tiene a personajes de moral impecable por ningún lado, lo que, de hecho, le permite desarrollar con tanta credibilidad como sentido artístico una relación dispareja que se encuentra brillantemente interpretada por las actrices principales.

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Lamentamos no habernos enterado con tiempo del lanzamiento local de la propuesta guaraní, que, en momentos en que escribimos esto, salió ya aparentemente de los cines comerciales de Los Ángeles, aunque hace unos días podía encontrarse todavía en horarios matutinos en las salas Laemmle de Santa Mónica, Glendale, Encino y Santa Clarita.

Estamos ante la ópera prima de Juanjo Pereira, un documental que narra las experiencias de varias personas en Paraguay durante la dictadura de Alfredo Stroessner, recurriendo a archivos audiovisuales provenientes de diferentes países. Quienes la han visto ya han celebrado el trabajo de investigación en el que sustenta, su uso acertado de imágenes del pasado y su diseño sonoro.

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No hay indicios de un estreno comercial en los cines estadounidenses para la apuesta peruana, pero está confirmada una proyección gratuita en el complejo Los Feliz de Hollywood, que se llevará a cabo el 4 de diciembre a las 6.30 p.m. y cuyos boletos se pueden reservar en este enlace.

Esta es la ópera prima de Marco Panatonic, así como una producción de ambientación muy particular que, siguiendo la línea de revalorización de trabajos hechos fuera de la capital que se está imponiendo de algún modo en territorio inca, se desarrolla en la región de las montañas (más precisamente, en las alturas de Cuzco) y se encuentra completamente hablada en quechua mientras coloca en el papel estelar a un poblador de la zona que sueña con seguir estudios universitarios, pero que no quiere abandonar a su familia necesitada.

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Nos enteramos recién ahora de que la apuesta dominicana al Oscar tuvo un estreno limitado en cines estadounidenses durante el mes de enero, aunque no estamos seguros de que este haya incluido a L.A. En todo caso, la buena noticia para quienes quieran verla es que se encuentra actualmente disponible en la plataforma MUBI.

Y es probable que valga la pena hacerlo, porque, para empezar, la película de Nelson Carlos De Los Santos Arias (que es en realidad una coproducción entre República Dominicana, Namibia, Alemania y Francia) maneja una historia ciertamente original, porque asume el punto de vista del fantasma de un hipopótamo (sí, leen bien) que fue trasladado desde su África natal hasta Colombia para residir en el zoológico privado del narcotraficante Pablo Escobar. No pueden decir que no les interesa.

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No tenemos todavía información alguna sobre un posible estreno de esta cinta en la Unión Americana, aunque el hecho de que se trate de un trabajo codirigido por dos mujeres que habían tenido ya una amplia presencia en la industria cinematográfica charrúa (Ana Guevara y Leticia Jorge) lo volvía ante nuestros ojos completamente digno de atención.

De hecho, estamos ante un filme realizado con un reparto y un equipo mayormente femeninos, lo que se presta para contar la historia de una mujer que acaba de perder a su mejor amiga y que, en medio del abrumador duelo, se transporta súbitamente en el tiempo, lo que le permite revivir la mejor etapa que tuvo con la desaparecida.

A diferencia de las películas que tratan sobre viajes de esta clase, la protagonista no se sorprende al hallarse en este espacio, lo que provoca una sensación mucho más cercana al acto de remembranza que al relato fantástico, más allá de la escena simbólica de desenlace que se mete en terrenos surrealistas (y que, por supuesto, no revelaremos).

Sea como sea, sin mayores aspavientos (el film dura poco más de 1 hora y 14 minutos), “Agárrame fuerte” (que, obviamente, ya vimos) se muestra, por lo general, como un trabajo profundamente naturalista, lleno de diálogos que se sienten siempre espontáneos, tres grandes interpretaciones femeninas y una mirada artística que, por más sutil que sea, no deja de resultar impresionante.

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Pese a la falta de información sobre cualquier tipo de lanzamiento en los Estados Unidos por razones más que evidentes, no deja de llamar la atención lo que, a todas luces, luce como un interesante ‘biopic’ dedicado a uno de los artistas venezolanos más importantes de todos los tiempos.

Reconocido como uno de los representantes más destacados del movimiento de la Nueva Canción en Venezuela y distinguido con el sobrenombre de “El Cantor del Pueblo”, Primera manejó siempre un mensaje de protesta social y de resistencia que solo pudo ser interrumpido por el accidente automovilístico que le costó la vida.

Las generaciones posteriores lo distinguen quizás únicamente por haber sido el padre de Servando y Florentino, quienes, lamentablemente, siguieron una línea artística muy distinta a la de su antecesor.