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Dentro de la comunidad asiática, existía de algún modo el consenso de que, desde “The Raid” (2011), no había habido realmente una película de artes marciales procedentes de esos países que diera la talla en términos de espectacularidad y de alcance intencional.
Pero eso acaba de cambiar con “The Furious”, la espectacular producción hongkonesa que se estrena este fin de semana en salas de Estados Unidos y que cuenta con algunas de las mejores escenas de acción que se hayan visto en la pantalla.
Todo esto se debe a la supervisión cercana del japonés Kenji Tanigaki, quien además de haber dirigido antes dos largometrajes propios, ha trabajado como coordinador de dobles y director de acción en incontables títulos del género, como “Rurouni Kenshin” (2012), “Shinjuku Swan II” (2017) y “Hidden Man” (2018),
En entrevista con Los Angeles Times en Español, el aclamado especialista y cineasta habló de lo que buscaba lograr con una producción que favorece esencialmente los momentos de lucha, pero que recurre también a una trama con contenido social, y ofreció valiosos detalles sobre el modo en que desarrollo y filmó algunas de las imágenes más deslumbrantes de un título que dará sin duda de qué hablar.
Kenji, has trabajado en diferentes áreas del cine, pero en “The Furious”, asumiste el cargo principal, lo que supone una responsabilidad mucho mayor, ¿cierto?
Cuando trabajo como director de acción, me encanta que nuestro director [general] se siente a mi lado y que lo hagamos juntos. Pero esta vez, yo soy el director, y cuando lo hago, debo rodearme de los mejores profesionales, incluyendo al mejor coordinador de dobles y el mejor coreógrafo de luchas, porque tengo que supervisarlo todo, incluyendo el trabajo con los actores, el diseño de producción y el equipo de cámara.
Tu película anterior como director, “Enter the Fat Dragon”, era, por supuesto, una película de acción, pero también era una comedia, lo que tiene sentido porque sé que eres un gran fan de Jackie Chan. Pero “The Furious” es mucho más seria, dramática, intensa y brutal. ¿Fue un cambio que buscaste conscientemente?
“Enter the Fat Dragon” era una típica comedia de acción de Hong Kong, protagonizada por Donnie Yen, por lo que tenía que entretener. La idea ahora era hacer la película de acción definitiva, con un tema muy serio de fondo; pero aún así, debido a mi personalidad, necesitaba algo de humor, y lo encontrarás aquí si te fijas bien. Es un humor negro y excesivo. Aunque no lo creas, no soy muy fan de las escenas sangrientas, aunque presentamos algunas que lo son.
Tienes tanta experiencia creando secuencias de acción que me imagino que sabes cómo presentarlas dependiendo del tono de la película. Los límites son diferentes, y lo que se ve aquí cambió la dinámica en relación a lo anterior, haciéndolo de paso más realista, ¿verdad?
Sí, porque la historia habla del tráfico de niños en un lugar indeterminado del sudeste asiático. Elegimos este tema porque no queríamos usar un asunto muy local y porque queríamos que el público de todo el mundo sintiera empatía por el protagonista, que va en busca de su hija secuestrada.
Claro. Y eso hace que el espectador apoye la brutalidad en la que termina cayendo el personaje, porque, bueno, han secuestrado a su hija y se enfrenta a la corrupción de las autoridades.
El público de ahora ve los primeros tres minutos y piensa: “No pasa nada; voy a cambiar de canal”. Aunque esto es para el cine, necesitábamos que la historia se pusiera en marcha de inmediato. Y lo hacemos con una secuencia que termina en tragedia, para decirle a la audiencia que esta no va a ser una película normal y corriente.
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Las secuencias de acción contribuyen a la trama; en la segunda, vemos al protagonista persiguiendo a los malos que van en camioneta, y la acción es genial, pero también hace avanzar la historia, porque empieza con el secuestro.
Nuestro productor, Bill Kong, quería que el 70 % de la película fueran escenas de acción, y eso requería que necesitáramos más variedad y más profundidad. De lo contrario, la gente se cansa, por más que la acción sea genial. Había que conectar con la emoción. Todo el público puede entender lo que es ser padre o madre y, por lo tanto, entender por qué este chino debe correr a toda velocidad, primero con chanclas y luego descalzo, para tratar de salvar a su hija.
Además, el protagonista es mudo, por lo que tenía que expresar sus emociones de otra forma, lo que significaba un reto adicional.
La idea era que todo el mundo en este planeta pudiera disfrutar de esta película, por lo que hay el mínimo diálogo posible. Este tipo de limitación le permite actuar de forma más sólida. Una parte del diálogo tenía que ser en chino, porque el padre y su hija son chinos; pero usamos mayormente el inglés, porque la gente no está todavía acostumbrada a leer subtítulos, y estos harían que se perdieran partes de nuestras escenas de acción, que tienen un ritmo muy rápido.
Mientras veía tu película, no dejaba de sorprenderme por la creatividad de las escenas de acción. ¿Qué tan difícil te resultó que fueran así después de haber visto tantas ajenas y de haber creado tantas propias?
Hay que tratar de conectar con el público. Tenemos una escena en la que pelean con un martillo. No hay mucha gente que haya tenido la experiencia de recibir un disparo ni de ser apuñalada, pero todo el mundo puede imaginar lo doloroso que es que te golpeen con un martillo. Tienes que presentar un tipo de dolor que sea entendido por la audiencia.
Hay un montón de secuencias de acción notables, pero la más memorable es la última, que empieza con cuatro tipos y termina con cinco peleando en el mismo espacio. ¿Cuánto tiempo tomó rodar eso?
No estoy seguro, pero recuerdo que pasamos 18 días en la estación policial donde sucede eso, así que quizá invertimos unos 15 días o 16 días en esa escena específica.
La forma en que está filmada es increíble. Parece haberse empleado una grúa, y hay una cámara que gira alrededor de los personajes, desde arriba. ¿Cómo se trabajó la puesta en escena para lograr algo tan llamativo?
En el guión, era lo normal, es decir, solo se peleaban dos tipos, el malo y el bueno. Pero me parecía muy aburrido, porque he visto eso en miles de películas, así que, primero, pensé en recuperar a alguien que se suponía que ya había muerto. Eso me daba también la oportunidad de mostrar no a dos, sino a tres bandos diferentes peleando entre sí. Fue una locura, pero también algo nuevo que no habíamos visto antes.
No sabía cómo rodarlo, pero lo trabajamos con nuestro ayudante de dirección y nuestro coreógrafo, así como con nuestros encantadores actores, que se esforzaron mucho y lo hicieron realidad. Tampoco hay que olvidar al equipo de cámara. Llevé a nuestro director de fotografía a la sala de ensayos un mes y medio antes del rodaje, lo que hizo que él pudiera también practicar lo que iba a hacer una vez que filmáramos.
¿Fue todo real? ¿Usaron algún tipo de cables o efectos digitales para mejorar la escena?
No, nada de cables. Pusimos un colchón muy fino, porque el suelo era muy resbaladizo y no quería que nadie se lesionara. Usamos los efectos especiales únicamente para eliminar ese colchón.
La película se filmó en Tailandia, pero contó también con personal japonés, chino e indonesio. Después de todo lo que ha estado pasando últimamente con la saga de John Wick, ¿quisieron retomar la posta para el cine asiatico de artes marciales con esto?
Soy muy amigo de Chad Stahelski. De hecho, antes de la premiere en el Festival de Toronto, volé a Londres para enseñarle esta película, porque él quería verla. La comunidad del cine de acción es muy cercana y trabaja de manera muy estrecha. Pero, claro, esta es una película muy panasiática.
Mi única ambición es hacer buenas películas de acción. Espero que, después de esto, muchos productores se den cuenta de que trabajar en el género puede dar dinero; que surja más gente que quiera hacer estas películas; y que, en general, haya más oportunidades para hacerlas.
