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Aunque se la identifica normalmente con la fusión, iLe tiene una relación profunda con el bolero. De hecho, durante el primer concierto en la historia de Calle 13, la celebrada banda boricua en la que militó a lo largo de casi una década, ella misma interpretó por cuenta propia “Puro teatro”, un corte particularmente logrado del género tradicional, cuando tenía solo 16 años.
Su cercanía con esta vertiente del folklore latinoamericano, plasmada también de un modo u otro en sus composiciones propias (es decir, las que vinieron en sus tres álbumes previos), hacía ya que resultara interesante la posibilidad de verla como artista estelar de la edición 2026 de “Boleros de Noche”, un evento que se ha estado realizando a lo largo de una década en el Ford de Hollywood (2580 Cahuenga Blvd E, Los Angeles, CA 90068), y que regresa este sábado 1ro de agosto a las mismas instalaciones.
El interés se incrementa cuando se sabe que el más reciente álbum de la cantante nacida como Ileana Mercedes Cabra Joglar, lanzado en octubre del 2025 y titulado “Como las canto yo”, es un tributo a la misma escuela musical que se plasma en una selección de temas antiguos -y ya conocidos- en la que se inserta una pieza compuesta por la abuela materna de la joven artista.
Para adelantar detalles de lo que promete ser una velada muy especial y hablar de su devoción por las creaciones clásicas de amor y desamor, iLe se animó a responder nuestras preguntas desde su hogar en San Juan, ofreciéndonos la entrevista que puedes encontrar a continuación tanto en su versión completa en video como en una transcripción escrita debidamente editada.
iLe, tu participación en “Boleros de Noche” tiene todo el sentido del mundo, porque siempre has estado conectada al género, ¿verdad? Lo del disco más reciente fue solo la cereza sobre el pastel.
Sí; conocí el bolero desde que era muy chamaquita, y siempre me capturó mucho. Es algo con lo que juego en mis canciones originales. Llevaba un tiempo con ganas de hacer un disco que homenajeara algunos de los boleros con los que crecí, y el proceso fue muy divertido, aunque me retó mucho también.
¿Cómo se dio la conexión con los organizadores del evento en Los Ángeles?
Ya me había presentado una vez en el Ford, con mi segundo disco “Almadura”, junto a [la cantante colombiana-canadiense] Lido Pimienta, por lo que me imagino que todo se habrá dado por ahí. Yo no conocía este evento específico, pero me alegra mucho que exista; y resultó perfecto para mí.
Siento que, más allá de transportarnos a otras épocas, cosas como esta nos hacen recordar que todavía podemos encontrar algo novedoso en el género, que podemos buscarle la vuelta en el presente para que responda a necesidades actuales.
¿Cómo surgió tu interés en el bolero?
Me gustaba mucho ese drama, esa pasión que tenía, y ese lado bien grandioso de orquesta, pero al mismo tiempo, la parte más íntima, de guitarra y mayor crudeza. Y me gustó más cuando empecé a escuchar boleros interpretados por mujeres. Simbólicamente, ellas fueron mis maestras, porque me enseñaron a cantar y a profundizar más en lo que interpreto.
Esa es también una de las razones por las que quise hacer este disco, como una manera de agradecer a estas personas que, aunque ya no están aquí en muchos de los casos, permanecen de manera energética y ancestral.
A veces, cuando uno ve a niños o a personas muy jóvenes interpretando con muchísima pasión esta clase de temas antiguos a pesar de no haber atravesado todavía esa clase de experiencias, siente que hay algo espiritual por ahí.
Nunca he analizado tanto ese aspecto, porque, en mi caso, vengo de una familia en la que todos estamos relacionados al arte de alguna manera. Desde un lugar inconsciente, yo lo veía más como la adopción de un personaje, pero sí me he quedado impresionada al ver a personas bien jóvenes que logran conectarse con una realidad distinta, porque la manera en que se contaban las cosas y el vocabulario eran diferentes. Es posible que haya una energía ancestral metida por ahí.
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Como dices, los boleros han sido presentados de diferentes maneras, desde formatos súper íntimos hasta modalidades completamente orquestadas; y este álbum combina también de algún modo todo eso, pero agregando sonidos de guitarra eléctrica para darle un toque contemporáneo.
Esa parte fue la más arriesgada, porque había que reinterpretar unos boleros que yo estaba súper acostumbrada a escuchar de cierta manera. A veces me pongo medio purista, por lo que me parecía importante que, aunque cambiáramos un poco la canción o la pusiéramos en un contexto más minimal [sic], se mantuvieran la esencia y los elementos que era importante conservar.
En ese sentido, ¿cómo ha sido el formato de las presentaciones que has estado ofreciendo? Sé que ya has hecho algunas en Puerto Rico y en México, y hubo incluso una especie de segmento de adelanto que se llamaba “Noches de Ronda”.
“Noches de Ronda” fue algo que se hizo para promocionar el disco en distintos bares de la isla; era un show cortito que salió muy bien. Pero luego hicimos dos funciones más formales en el Teatro de la Universidad de Puerto Rico, con dos guitarras (una de ellas eléctrica), bajo y percusión; y ese el formato que llevaremos a L.A.
El álbum incluye hasta tres temas compuestos por Tito Curet Alonso, lo que demuestra lo mucho que te gustan las canciones de este legendario autor.
Es que es brutal. Es uno de nuestros compositores más grandes, sobre todo en la salsa y en el bolero. Necesitaba homenajearlo, porque soy super fanática de su música, y también porque, en mi casa, yo conecté con el bolero a través de la salsa, porque mi papá escuchaba mucha salsa.
Tu versión de “Puro teatro”, pieza que fue inmortalizada por La Lupe, es increíble. Solo lleva piano y voz, lo que hace que la entrega vocal -que es estupenda- pueda destacar.
Todo es bastante minimal [sic] en la instrumentación general del disco, y esta, no la veía con guitarra. Como tiene esa cosa medio teatral, me llegó un poco más esa onda del piano, del órgano. Es un tema súper difícil, pero una gran canción también.
Empezaste a cantar de manera autodidacta, pero después, tuviste clases con dos profesoras reconocidas, la puertorriqueña Hilda Ramos y la cubana Gema Corredera. Antes de eso, ya habías formado parte de dos coros importantes, y claro, estudiaste piano en el Conservatorio de Música de Puerto Rico. Por ese lado, eres una cantante mucho más preparada que varios de esos intérpretes originales, que hacían lo suyo de manera espontánea.
Siento que he aprendido más en la calle que en cualquier otro lugar. Lo del piano lo hice desde niña hasta adolescente, cuando decidí dedicarme al canto profesionalmente, porque antes de eso, no había planeado ser cantante.
Cuando todo se volvió más serio, tuve clases individuales con Hilda y con Gema en momentos distintos, y aprendí un montón de la técnica vocal. Pero siento que estoy en constante aprendizaje. La voz está conectada al cuerpo, y todo lo que te sucede la afecta. Aprender a manejarla con tanta cosa emocional y mental que te pasa también tiene sus retos.
Hay una canción bastante significativa para ti en el disco que se llama “No te detengas” y cuya autora es Flor Amelia de Gracia Barreiro, tu abuela materna. Tu propia madre, Flor Joglar de Gracia, fue actriz, pero tu abuela no se dedicó profesionalmente al canto, ¿verdad?
Ella tenía muchas composiciones y siempre quiso estar en el mundo de la música, pero su papá no la dejó estudiar fuera, a pesar de que la habían becado. Terminó siendo maestra de economía doméstica en una escuela pública.
Pero se mantuvo componiendo y trataba de cantar en algunos espacios con sus amistades. Intentó en un momento grabar, pero todo se quedó en el aire. Como yo tenía planes para mi propio proyecto, ella me grabó algunas composiciones suyas a capella, y también me dio unas grabaciones en vivo del 78, creo.
Mi abuela era bien estricta conmigo en lo que respecta a la música. Se molestaba cuando yo imitaba a otros cantantes, y eso me sirvió de mucho, porque aprendí lo importante que es tener una voz propia. En mi primer disco, “Ilevitable”, ya había grabado dos temas suyos: “Quién eres tú” y “Dolor”. Pero mi abuela no los pudo escuchar, porque falleció en el 2011.
“No te detengas” es curiosa, porque presenta una letra muy sensual, lo que llama la atención en vista de que, en los tiempos pasados, las mujeres no tenían muchas libertades para decir lo que pensaban.
Ella nos dijo que se estaba refiriendo al acto sexual cuando la escribió. Creo que estaba bastante adelantada a su época, porque era una chulería, una mujer de verdad encantadora, pero tenía también un carácter muy fuerte. Eso la ayudó a no someterse a nada que no quisiera, pues prefería estar sola a estar mal acompañada.
Me llama la atención tu adaptación de “Un amor de la calle”, una pieza que fue compuesta por un hombre (Orlando Brito) y popularizada por otro (Héctor Lavoe) y que habla de una mujer. En tu versión, habla en cambio de un hombre, lo que hace que, en lugar de la parte de la letra que dice “una cualquiera”, digas “un cualquiera”. Eso es interesante, porque el término original se ha usado normalmente para aludir a una mujer supuestamente promiscua, y al cambiarlo de género, obtiene un sentido distinto.
Pues mira, no me había percatado de ese detalle, pero creo que, en la sociedad patriarcal en la que vivimos, hay muchas otras expresiones que nuestro cerebro asocia automáticamente con mujeres y no con hombres.
Y de ahí viene un poco esta necesidad mía de invertir los roles y de ver lo que eso nos provoca. Quisiera que nos llevara a analizar dónde estamos hoy día, cuánto ha cambiado realmente la sociedad machista.
Por el mismo hecho de estar dedicado al bolero tradicional, este disco no se prestaba para esa clase de letras contestatarias que has hecho a veces cuando compones. Pero la inclusión de la versión revolucionaria del himno de Puerto Rico “La borinqueña” parece haber sido intencional, como si te hubieras dado cuenta de que le faltaba algo más social y político al disco, porque no se trata de una pieza que pertenezca al género homenajeado, ¿no?
La canción original es una danza, pero yo la hice pensando en esa batalla que tenemos por aquí en relación al tema. Nuestro himno oficial es bien sumiso, a diferencia del que canté yo, que es de Lola Rodríguez de Tío [en cuanto a la letra].
Como lo encontraban muy revolucionario, lo sustituyeron por el oficial, que es colonial y bien patético; o sea, habla de Cristóbal Colón. Es una versión que no me representa y que, para mí, no representa tampoco al país, a diferencia de la anterior, que está más conectada a nuestra identidad. Fue mi manera de honrar a una compositora puertorriqueña y, a la vez, a nuestro himno original.
Puerto Rico ha estado figurando internacionalmente en el ámbito musical por diferentes razones. Lo de Bad Bunny en el Super Bowl fue histórico, pero después de eso, se le criticó por el aspecto supuestamente elitista de La Casita. Tu hermano René también es celebrado y criticado. Tú tienes un perfil mucho más discreto, pero, ¿cómo sientes que los artistas boricuas con propuestas desafiantes están lidiando con todas estas circunstancias?
La perspectiva de cada cual siempre va a ser distinta. Es imposible satisfacer a todo el mundo. Si le quieres buscar la vuelta a cualquier cosa, se la vas a encontrar. Yo siento que las buenas intenciones son valiosas, vengan de donde vengan.
Hay mucha gente que las tiene, pero que, en el camino, se percata de que hay tropiezos y de que puede cometer errores; pero eso es humano, eso es normal. Lo importante es mantenerse siempre conectado al propósito que uno quiere lograr.
