CRÍTICAS. Un musical controvertido, un ‘remake’ incendiario y más estrenos de cine

Ben Platt y Julianne Moore en una escena de "Dear Evan Hansen".
(Erika Doss/Universal Pictures)
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Esto es lo que puedes esperar de ‘Dear Evan Hansen’, ‘The Guilty’ y otros lanzamientos en salas y en ‘streaming’

Los comentarios fílmicos que te ofrecemos esta semana vuelven a dar fe de la evolución de una cartelera estadounidense que sigue luchando por imponer inicialmente sus lanzamientos en las salas de cine, pero que, con algunas excepciones, anuncia a la vez el pronto traslado de sus producciones a alternativas de visionado casero.

DEAR EVAN HANSEN

Director: Stephen Chbosky

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Reparto: Ben Platt, Amy Adams, Kaitlyn Dever

Género: Musical / Drama

Tendría que estar demasiado perdido como comentarista de cine para ignorar la avalancha de críticas negativas que ha recibido por adelantado “Dear Evan Hansen”, la versión cinematográfica de un popular musical de Broadway del mismo nombre que no he visto, y cuyo estreno en salas se produce este viernes.

Los reparos que he leído incluyen normalmente un rechazo a la decisión de colocar en el papel principal de la cinta a Ben Platt, el mismo actor y cantante del musical original (estrenado en 2015), pese a que él tiene ahora 27 años y a que su papel es el de un adolescente de secundaria extremadamente tímido que alcanza una inesperada popularidad luego de fingir que era amigo cercano de un muchacho rebelde y problemático que se acaba de suicidar.

Pero los cuestionamientos mayores vienen por el lado moral, y tiene sentido que así sea, porque si bien Evan sufre evidentes problemas psicológicos y miles de inseguridades, lo que hace básicamente para ganarse los favores de la hermana del fallecido (Zoe Murphy, excelentemente interpretada por Kaitlyn Dever, de “Booksmart”) es imperdonable, mientras que la historia que se cuenta (y que habría funcionado perfectamente en un drama sombrío) intenta permanentemente que nos solidaricemos con él.

Sea como sea, en medio de estos válidos cuestionamientos, el filme no resulta nunca aburrido (pese a que se extiende por ¡137 minutos!), y tiene además los suficientes números musicales vibrantes, la cuota necesaria de emociones desbordadas, los bienvenidos aportes de dos grandes damas de la actuación (Amy Adams y Julianne Moore) y, por supuesto, el aire polémico requerido como para despertar merecidamente la atención de un gran número de espectadores, digan lo que digan los críticos.

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THE GUILTY

Director: Antoine Fuqua

Reparto: Jake Gyllenhaal, Ethan Hawke, Riley Keough

Género: Thriller / Drama

Si eres un verdadero cinéfilo ‘internacionalista’, tienes que haber visto ya la versión original (y danesa) de “The Guilty”, que se estrenó en 2018 y fue ampliamente reconocida por su eficacia para contar una historia de suspenso extremadamente lograda con muy pocos recursos y el empleo de un único escenario.

Y si lo has hecho, no entenderás realmente la necesidad del ‘remake’ estadounidense de Netflix que se estrena este viernes en salas selectas (se verá recién en la plataforma desde el 1ro de octubre) y que cuenta la misma historia, con uno que otro agregado menor, mientras agrega ciertos detalles visuales que la colocan en el rango esperado de las producciones hollywoodenses.

Pero lo cierto es que la mayoría de la audiencia no tiene ni idea del trabajo original, y será sin duda ese segmento el que gozará de mejor modo de esta versión dirigida por Antoine Fuqua (“Training Day”) que, nuevamente, no puede ser original y desvirtúa de algún modo el profundo sentido de intimidad de la entrega anterior, pero que no pierde en el proceso su intensidad narrativa y tiene además al frente a un notable Jake Gyllenhaal.

El actor de “Brokeback Mountain” y “Nightcrawler” interpreta a Joe Baylor, un agente de la policía de Los Ángeles a quien conocemos un día antes del juicio al que se enfrenta debido a una falta aparentemente grave, y que se encuentra respondiendo llamadas de emergencia (911) en medio de la devastadora temporada de incendios en el Sur de California.

La velada se le complica considerablemente cuando es contactado por una mujer que dice haber sido secuestrada por su esposo a bordo de un automóvil en movimiento, y lo más interesante aquí es que todo lo que sucede entre estos dos personajes es narrado únicamente a través del audio de las llamadas sin perder por ello su aspecto dramático.

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WIFE OF A SPY

Director: Kiyoshi Kurosawa

Reparto: Yū Aoi, Issey Takahashi, Taiji Tsumori

Género: Drama histórico / Romance

La cartelera presencial de esta semana incluye entre sus ofertas una producción japonesa de época y de enorme calidad artística que ningún interesado en el buen cine debería pasar por alto. Se llama “Wife of a Spy” (en su traducción al inglés), se podrá ver desde este viernes en el Lammle Royal de L.A. (está desde la semana pasada en pantallas de Nueva York) y es la obra más reciente de Kiyoshi Kurosawa, conocido por cintas tan esenciales del séptimo arte nipón contemporáneo como “Pulse” (sí, la original) y “To the Ends of the Earth”.

La historia que se cuenta nos traslada inicialmente al Tokio de 1940, es decir, poco ante del ataque a Pearl Harbor que marcó la intervención de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial. Yūsaku Fukuhara (Issey Takahashi) es un director de cine que se encuentra seriamente preocupado por el autoritarismo cada vez más evidente del gobierno de su país y que rechaza además el respeto ciego a las tradiciones, lo que, pese a su reputación como profesional, lo ha colocado ya en situaciones complicadas con las autoridades.

Pero el centro de esta película es su esposa, Satoko (Yū Aoi), una mujer joven y encantadora que adora a su marido, pero que se encuentra preocupada por las colisiones cada vez más fuertes entre el estilo de vida que lleva este y las exigencias de quienes se encuentran en el poder. Pese a la inocencia que exuda, Satoko es un personaje mucho más complejo de lo que parece ser, y esto empieza a volverse más claro una vez que Yūsaku regresa de un viaje a Manchuria con un aterrador secreto bajo el brazo.

Además de haber logrado una recreación absolutamente convincente de la era que describe, Kurosawa (que no tiene lazos sanguíneos directos con el legendario Akira) nos presenta a varios personajes dignos de interés, incluyendo al temible policía militarTaiji Tsumori (Masahiro Higashide); y es imposible dejar de admirar su puesta en escena, cargada de referencias al cine clásico que coquetean en cierto momento con la escuela de Hitchcock, pero que mantiene a la vez una fuerte identidad propia.

SURGE

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Director: Aneil Karia

Reparto: Ben Whishaw, Ellie Haddington, Ian Gelder

Género: Drama / Thriller

“Surge”, la producción británica que se estrena este viernes en salas y el 25 de octubre en Video On Demand, no es necesariamente una gran película, pero contiene una de las actuaciones más llamativas y comprometidas del año, en manos del estupendo Ben Whishaw, a quien hemos visto ya en títulos como “Perfume: The Story of a Murderer” y “Bright Star”.

Aquí, Whishaw interpreta a Joseph, quien trabaja en la zona de revisión de pasajeros en una terminal aérea y que, luego de un par de incidentes extraños -pero no del todo alarmantes- con los mismos viajeros, sufre lo que parece ser un episodio psicótico y, además de comportarse de manera absolutamente descontrolada, decide involucrarse sin cuidado alguno en una serie de actos criminales que no pueden prolongarse por mucho tiempo.

Sin darnos nunca una explicación clara de lo que desencadenó este desarreglo, el director y coguionista Aneil Karia se las ingenia para ofrecer un relato que mantiene permanentemente el interés, aunque la idea que maneja de colocar la cámara siempre cerca de Joseph -y generar con ello un estilo que emula su caótico estado mental- generará sin duda rechazo entre algunos espectadores. Pero Whishaw se echa sobre los hombros la responsabilidad entera de darle autenticidad a un papel que termina siendo tan complicado como frenético.

BIRDS OF PARADISE

Directora: Sarah Adina Smith

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Reparto: Kristine Froseth, Diana Silvers, Jacqueline Bisset

Género: Drama

En tiempos recientes, el lado supuestamente oscuro del ballet clásico fue representado ya de manera brillante por Darren Aronofsky en “Black Swan”, por lo que “Birds of Paradise”, que toca una temática semejante y se estrena este viernes exclusivamente en Amazon Prime Video, puede lucir inicialmente como una propuesta poco original.

Pero hay que verla para darse cuenta de que, sin navegar terrenos ajenos a la obra arriba referida, el nuevo filme, basado en la novela “Bright Burning Stars”, maneja sus propios códigos y ritmos, respaldada por la puesta en escena enormemente sugestiva de su directora y guionista Sarah Adina Smith (“Buster’s Mal Heart”) y, ante todo, por las magníficas actuaciones de sus protagonistas Kristine Froseth y Diana Silvers, convertidas en dos jóvenes bailarinas estadounidenses radicadas en París que establecen una intensa relación de atracción y rechazo.

La idea de la competitividad feroz que existe en esta disciplina y el modo en que afecta a quienes pretenden acceder a las grandes ligas se encuentra en el centro de un relato que no encuentra quizás el balance ideal entre la seriedad y el sensacionalismo, pero que resulta siempre interesante y que, además de sus logradas escenas de danza, posee generosas cuotas de sensualidad.

RUMBA LOVE

Director: Guillermo Iván

Reparto: Guillermo Iván, Zair Montes, Ed Trucco

Género: Drama

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Pese a que nació en México, Guillermo Iván, conocido sobre todo por aquí debido a su participación como actor en la exitosa telenovela de Telemundo “Al otro lado del muro”, tiene una fuerte relación con Cuba, país en el que se formó como cineasta y al que ha regresado en más de una ocasión con el fin de registrar escenas que han sido incluidas en sus proyectos como director.

“Rumba Love”, que se estrena este viernes de manera simultánea en varias salas de EE.UU. (incluyendo el Laemmle Glendale de L.A.) y en Video On Demand, es uno de los trabajos más personales de Iván en su calidad de realizador e intérprete, ya que se basa en experiencias de su propia vida para crear una historia ficticia pero claramente emotiva que lo encuentra en la piel de Nicholas Quevedo, un artista cubano-americano que, luego de vivir en La Habana por varios años, llega a Nueva York guiado por las promesas de un manager anglosajón que termina engañándolo.

Abandonado a su suerte, Nicholas se ve forzado a atravesar experiencias particularmente duras, como ser un ‘homeless’ en la gran ciudad y tener que lidiar con personas agresivas que viven en la calle, mientras anhela conseguir un trabajo decente que le permita mostrar sus aptitudes musicales. La película tiene ciertos problemas de ritmo y no es totalmente creíble, pero la pasión de Iván (quien aparece cantando con voz ajena temas que él mismo compuso al lado del autor Salomón Lerner, y que logra retratar tanto los parajes cubanos como los neoyorquinos de manera inspirada) resulta indudablemente contagiosa.